10 películas surrealistas excelentes que tienes que ver
Las películas surrealistas son una manera maravillosa de plasmar una realidad subjetiva al extremo, proveniente directamente de la mente del artista.
El objetivo del artista es convertir lo subjetivo en objetivo. Transformar sus experiencias e intuiciones personales en una obra que otros seres humanos puedan comprender a nivel emocional e intelectual.
Algunos escogen hacer esto de manera ordenada, guiándose por una serie de reglas y recursos que hacen esta labor más fácil. Otros, como los directores responsables de las cintas que verán en esta lista, prefieren expresar lo que tienen en la cabeza sin ninguna clase de filtro. A través de símbolos, elementos oníricos y fantasías, logran crear universos increíbles que distan bastante del mundo real. Obedecen preceptos puramente subjetivos provenientes de la mente del artista. De esta manera, los filmes que siguen este estilo son interesantes en un alto grado.
Aunque algunos dirían que el LSD es el verdadero responsable por estas bizarramente hermosas películas.
Las películas surrealistas suelen requerir ser vistas varias veces para captar su esencia por completo. Lo que las hace una fuente inagotable de sabiduría para los cinéfilos empedernidos que busquen un reto intelectual que sea tan complejo como agradable estéticamente. Todas las películas que verán a continuación comparten estos dos valiosos atributos.
10. Eraserhead (1977)
Los filmes de David Lynch son conocidos por su magistral uso del terror surrealista. En su primera película, Eraserhead, nacieron todos los elementos que Lynch luego desarrollaría de manera excelente y creativa en el resto de su filmografía. Su retorcido imaginario se evidencia desde el principio de su carrera.
La trama gira alrededor del nuevo predicamento del protagonista, Henry. Su novia acaba de tener un bebé y la idea de la paternidad lo aterroriza. Ve a su hijo como un extraño mutante que lo único que hace es comer, ensuciarse, gritar y dormir de vez en cuando. Empieza a ser acosado por horripilantes pesadillas que comienzan a quebrantar su mente.
A todos nos pasaría lo mismo si nuestro hijo se viera así. Cómo se las arregló Lynch para realizar el "look" final de esta criatura es su secreto mejor guardado.
Después de que sus primeros intentos por realizar cortometrajes fueron truncados, Lynch decidió realizar su primera película de manera independiente. Juntó a varios amigos de su escuela de cine (Sissy Spacek, que luego se convertiría en una actriz famosa, Jack Fisk, uno de los mejores diseñadores de producción que existen y Frederick Elmes, un talentoso cinematógrafo de cine independiente), en la que estudiaba cinematografía, comenzó a realizar una producción algo rudimentaria.
La película tardó cinco años en hacerse por el escaso presupuesto con el que contaban. No logró entrar a Cannes ni al festival de cine de Nueva York, también se enfrentó duras críticas; pero otros festivales sí la aceptaron y llegó a convertirse en un filme de culto.
George Lucas quedó tan impresionado luego de verla que le ofreció a Lynch dirigir El Retorno del Jedi. David rechazó la oferta porque quería concentrarse en otro tipo de cine, el experimental del que se convirtió un importante pionero. Sin embargo, alguien en Youtube hizo un tráiler para la versión lyncheana del clásico del cine de ciencia ficción. Su trabajo fue reconocido a tal nivel que Stanley Kubrick declaró que Eraserhead era una de sus películas favoritas de todos los tiempos.
9. La planète sauvage (1973)
Las características del cine de animación son ideales para estructurar un filme surrealista. La libertad al crear, el uso del color, la posibilidad de animar escenarios fantásticos sin gastar una fortuna; estos elementos son cruciales para lograr una buena película surreal.
La planète sauvage tuvo mucho éxito cuando se estrenó. Ganó el premio especial Grand Prix en el festival de Cannes, y no tardó mucho en convertirse en una película de culto en todo el mundo. La trama explora la perspectiva que deben de tener de nosotros otras criaturas vivas. A pesar de lo civilizados que creemos que somos, muchas de nuestras prácticas nos parecerían crueles y absurdas si las vemos desde otro ángulo.
En un planeta extraterrestre, los humanos son tratados como insectos por la raza superior, los Draag, unos gigantes azules y poderosos. Nos matan por pasatiempo y algunos son domesticados y convertidos en mascotas.
Los paisajes que se ven en la cinta fueron inspirados en cuadros de Salvador Dalí y de Giorgio de Chirico. Constituyen la estructura visual del filme, la cual es espectacular.
8. Paprika (2006)
Pocas películas logran el nivel de creatividad y belleza visual que ostenta Paprika. Su historia compleja es un excelente catalizador para todos los escenarios fantásticos que nos son mostrados.
Después de que una máquina para entrar en los sueños de otros es robada, el caos completo se desata. El ladrón logra entrar en la mente de quien desee, incluso cuando estos se encuentran despiertos, llevando a varias de sus víctimas a la locura.
El atractivo principal de Paprika es el espectáculo que significa observar los maravillosos sueños de los personajes. La película está editada de manera vertiginosa; pasamos de un escenario alocado al siguiente sin darnos cuenta, lo que nos desorienta y, al mismo tiempo, hipnotiza.
En la imagen: una de las partes más normales de la cinta.
Entender la trama a la primera es algo difícil. Es bastante enrevesada y hay tantos detalles escondidos que es fácil perderse. Sin embargo, vale la pena ver Paprika varias veces y tratar de resolver sus misterios debido al increíble espectáculo estético que representa.
7. Un perro andaluz (1929)
Luis Buñuel es considerado el padre del surrealismo cinematográfico. Todas sus películas cuentan con, al menos, una pequeña dosis de innovación surreal. Usaba esta herramienta para contar historias profundas, interesantes y llenas de intrigantes simbolismos. Con su trabajo influenció a incontables cineastas.
Para su primer proyecto se juntó con Salvador Dalí. Ambos estructuraron Un perro andaluz, un filme tremendamente adelantado a su época. Compuesto nada más que por escenas surreales, bizarras y emocionantes. Las reacciones que tuvieron los espectadores de la época no pudo ser otra que extrema sorpresa, llegando a niveles de estado de shock.
"Suelo causar esos efectos en la gente".
Por miedo a que los miembros del público lo atacaran indignados, después de ver la extraña cinta, Buñuel se escondió detrás de la pantalla con piedras en los bolsillos durante la premier en París. Al contrario, los asistentes amaron su caótico estilo fílmico.
Sin duda, una de las cintas más revolucionarias en toda la historia del cine. Y gracias a que fue hecha hace ochenta y siete años, podemos verla completa a través de Youtube.
6. El Topo (1970)
Alejandro Jodorowsky es el mayor exponente del cine surrealista. Su creatividad para crear escenarios fantásticos es casi tan grande como su pasión por el cine. Los simbolismos que introduce van desde críticas sociales, hasta maravillosas absurdidades oníricas. Dicha mezcla es lo que hace que su trabajo sea tan único e interesante.
El Topo (Alejandro Jodorowsky) es un renegado que viaja a caballo con su hijo desnudo (Brontis Jodorowsky). El motivo de su travesía es confrontar a los maestros del revolver, para así convertirse en el mejor pistolero del mundo. Para cumplir su objetivo tendrá que superar retos que casi se ganan la denominación de imposibles por su complejidad. La odisea le servirá al protagonista para realizar una drástica metamorfosis.
Infinitas veces mejor que Django.
Basándose en historias épicas antiguas, Jodorowsky estructura una cinta emocionante, extraña y profunda, que reta al espectador a replantearse muchos asuntos sociales, culturales, religiosos y morales.
5. El discreto encanto de la burguesía (1972)
Esta cinta de Buñuel dista mucho de la otra que aparece en esta lista, pero el elemento del surrealismo sigue presente; en El discreto encanto de la burguesía el director lo utiliza para desarrollar a sus personajes y estructurar una historia inusual.
Narra la vida de seis individuos de alta sociedad, los cuales son acosados por hechos surreales que no los dejan vivir con tranquilidad: soldados que ansían contar sus sueños, extraños amigos del pasado, teletransportes a un auditorio lleno de gente, etc.
No hay duda de que la filmografía de Woody Allen se basa considerablemente en esta cinta.
Los personajes que componen el filme son bien desarrollados e interesan al espectador. El talentoso elenco carga la película en sus hombros haciendo funcionar, por medio de la química que poseen entre ellos, las extrañas y maravillosas escenas surreales.
4. Holy Motors (2012)
El director francés Leos Carax analiza el mundo de la actuación y de su futura evolución desde una perspectiva nueva e interesante, contando la historia de Oscar, un extraño hombre que viaja de un lugar a otro, interpretando un personaje completamente diferente en cada nueva locación.
En la cinta, el proceso fílmico se ha simplificado tanto que las cámaras son minúsculas y no hay necesidad de la presencia de otros miembros del equipo que no sean los actores. Estos deben transportarse a cada escenario, preparados para actuar como varios personajes distintos, en un mismo día. El viaje de Oscar por la ciudad es alucinante y completamente surreal. Los papeles que debe encarnar son cada vez más bizarros, hasta el punto de que dejan de tener sentido. De esta manera, los realizadores son capaces de combinar la realidad con sus ficciones de forma íntegra y simple, lo que ocasiona muchas situaciones interesantes.
No queremos spoilear nada, pero que quede claro que esta película es muy rara.
Cada escenario es un nuevo reto tanto para el protagonista como para la audiencia, que se encuentra atando los hilos para tratar de darle sentido a lo que ve. Como en toda película surrealista, la estética es impecable y no nos quedan dudas de que querrás ver Holy Motors en repetidas ocasiones.
3. La danza de la realidad (2013)
Conocer la vida de un artista puede ayudarnos a comprender mejor su trabajo. Independientemente de en qué arte se desempeñe, la fuente principal de inspiración de todo creador son sus vivencias y reflexiones cotidianas. Por esta razón, las películas autobiográficas son perfectas para entender la esencia de la filmografía de un cineasta.
En La danza de la realidad, Alejandro Jodorowsky ilustra su niñez, presentándonos a su familia, a los personajes coloridos que rodeaban su casa, junto con sus miedos y esperanzas. El relato es detallado y sin ningún atisbo de vergüenza por parte del director.
Ahora que lo pienso, hubiera sido mejor hacer una lista exclusivamente acerca de las obras de Jodorowsky. Será una idea para considerar en el futuro.
La danza de la realidad es una caja de sorpresas. El viaje del protagonista hacia la madurez es arduo y lleno de baches. La historia de su familia también es bastante enfatizada, utilizado conflictos del más profundo corte surreal. Estrenada en el dos mil trece, evidencia que Jodorowsky no ha perdido su magia.
2. Enter the Void (2009)
Es un hecho que no hay ninguna otra película como Enter the Void. El estilo místico que Gaspar Noé desarrolló en esta cinta la ha convertido en su mejor obra hasta la fecha. No solo eso, sino que también es considerada una de las mejores películas del dos mil nueve, uno de los mejores años en la historia del cine en cuanto a películas excelentes estrenadas.
La cinematografía es impresionante. No solo en momentos específicos, sino en general. Cada uno de los planos que componen la película son maravillosos, tanto por su nivel de creatividad, como por su calidad estética. Gaspar Noé no permite que se grabe su proceso de filmación; quiere que sus técnicas se mantengan secretas. El mago de Oz es el ejemplo clásico, después de que sabemos cómo se realiza la ilusión, ya no nos impresiona.
Con ustedes, el más traidor de todos los traidores.
Enter the Void se propone recrear la experiencia que produce el DMT (una versión más potente del LSD) y vaya que lo ilustra de manera increíble. La variedad de colores, patrones y sensaciones que evoca el filme es enorme.
La edición es otra de sus grandes virtudes. Ninguna escena sobra. La inusual estructura narrativa nos transporta a otra dimensión en que la rapidez con la que percibimos el tiempo se multiplica, facilitando que queramos volver a ver el filme lo antes posible.
1. The Holy Mountain (1973)
The Holy Mountain no solo es considerada una de las mejores películas surrealistas de la historia, sino que trasciende su género, para convertirse en la mejor obra cinematográfica jamás creada para muchos conocedores del séptimo arte y fanáticos del cine en general.
No es un filme que pueda ser explicado (al igual que Enter the Void) con tan solo describir vagamente la trama, sino que es algo que se tiene que experimentar. John Lennon financió la película personalmente porque creyó en la innovadora visión de Alejandro Jodorowsky, y por eso merece la gratitud de todos.
Lo único bueno que hizo luego de abandonar los beatles.
Es imposible describirla tomando como referencia ningún otro filme. Si existe alguna obra de arte verdaderamente original, esta es The Holy Mountain. El universo que presenta, la crítica social, la valentía con la que expone sus temas, la impecable estética, el ininterrumpido fluir del imaginario de Jodorowsky, el simbolismo presente en cada centímetro de la pantalla, la extrema atención al detalle... No hay nada fuera de lugar en la obra clave de Jodorowsky.
The Holy Mountain trasciende de su estatus como película. De alguna manera, se encuentra un escalón más arriba de la mayoría del resto de filmes que se han hecho. Su equivalente, por ejemplo, en el mundo del fútbol, sería Leo Messi.
Haters gonna hate
Si les interesa esto del surrealismo en el cine, no se pierdan el documental Jodorowsky's Dune. Narra la desafortunada historia de la película que tenía el potencial para ser la mejor de la historia, pero que jamás fue filmada.
Fuente: Hipertextual
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